José Henrique Padovani

Diante da rápida proliferação da Inteligência Artificial (IA) no cenário musical, este artigo oferece uma análise reflexiva e prática de suas implicações para a criação sonora. Problematizamos os vieses éticos e comerciais inerentes às ferramentas generativas da atualidade, criticando o dualismo redutor entre “humano versus máquina” que domina o discurso contemporâneo. Para abordar tais complexidades, propomos um arcabouço teórico centrado no conceito de ‘tecnodiversidade artística’, sintetizando os ‘quase-objetos’ de Latour, as ‘montagens polifônicas’ de Tsing e a ‘tecnodiversidade’ de Hui. Ao desconstruir as metáforas onipresentes da indústria tecnológica, este estudo defende um engajamento descentralizado e pluralista com as ferramentas digitais. Após explorar esses fundamentos teóricos, transitamos para uma investigação prática de quatro estudos de caso que abrangem práticas que vão desde a instalação sonora à improvisação guiada.

This article addresses the challenges posed by the hegemony of commercial, “black-boxed” Artificial Intelligence (AI) tools in musical creation, aiming to counteract the alienation inherent in Software as a Service (SaaS) platforms. Drawing on the concepts of mechanology and technodiversity, we advocate for a critical and inventive engagement with technology through the appropriation of machine listening and learning infrastructures. To this end, we present conTorchionist, an open-source, nomadic, and cross-platform library built upon libtorch, designed to bridge the gap between non-real-time research (Python) and real-time performance environments (Pure Data, Max, SuperCollider). Furthermore, we introduce the concept of ‘vibe composing’ as a methodology within research-development-creation and practice-based research in music, where the coding of algorithms assisted by agentic AI constitutes a fundamental poetic gesture. This approach is exemplified through two musical works, second nature (2025) and Eutrópia III (2025), which demonstrate how the development of idiosyncratic technical objects can engender unique aesthetic outcomes, ranging from spectral spatialization to neural control of latent spaces. Finally, we reflect on how seizing these technical means allows artists, particularly in the context of the Global South, to assert epistemic and technical sovereignty, fostering an ecology of invention that resists the standardization of the algorithmic age.

O trabalho aborda processos pessoais de composição com recursos computacionais relacionados à escuta de/com máquinas na peça ‘nós, passarinho’ (2023), para flauta e eletrônica em tempo real. São abordados aspectos técnicos, conceituais e contextuais do processo criativo e das pesquisas a ele relacionadas envolvendo o desenvolvimento de algoritmos, técnicas de análise e processamento de áudio, processos de escrita musical associados a recursos algorítmicos e o uso de sistemas musicais interativos. A primeira seção contextualiza a criação da peça, abordando aspectos poéticos, a temática geral, técnicas e pesquisas relacionadas à peça. Na segunda seção, são descritos algumas ferramentas e técnicas desenvolvidas e aplicadas relacionadas à escuta de/com máquinas. O conceito de ‘inscrição’ é abordado na terceira seção a partir de sua aplicabilidade no contexto composicional em questão. A quarta seção aborda aspectos gerais da escrita composicional levando em conta contingências e estratégias criativas. Ao final, o texto levanta questões relacionadas às pesquisas em andamento e aos desdobramentos que o processo criativo da peça abriu para novos projetos artísticos e investigativos.

Pierre Schaeffer's typomorphology (1966) proposes seven criteria of musical perception for the identification and qualification of sound objects, which form the basis of his musical theory. This Solfège fits well into contexts where pitch is not the dominant dimension. Relying on similarities between the practice of reduced listening and the utilization of low-level audio descriptors, we present the first version of a real-time setup in which these descriptors are applied to qualify percussive sounds. The paper describes the tools and strategies used for addressing different criteria: envelope followers with different window sizes and filtering; detection of transients and amplitude modulations; extraction and counting of spectral components; estimation of intrinsic dissonance and spectral distribution; among others. The extracted data is subjected to simple statistical analysis, producing scalar values associated with each segmented object. Finally, we present a variety of examples.

The essay addresses creative and technical aspects of the piece ‘afterlives’ (2020), for flute and live electronics and visuals. Composed and premiered in the context of the COVID-19 pandemic, the composition employs audiovisual processes based on different audiovisual techniques: phase-vocoders, buffer-based granulations, Ambisonics spatialization, and variable delay of video streams. The resulting sounds and images allude to typical situations of social interaction via video conferencing applications. ‘Afterlives’ relies on an interplay between current, almost-current, and past moments of the audiovisual streams, which dephase the performer’s images and sounds. I have avoided, in text, delving deeper into the Pure Data abstractions and or into the musical analysis of my composition. The main purpose of the text is rather to present compositional/technical elements of ‘afterlives’ and discuss how they enable new experiences of time.

Pierre Schaeffers typomorphology (1966) proposes seven criteria of musical perception for the qualification of sound objects, which form the basis of his musical theory. This Solfège fits well into contexts where pitch is not the dominant dimension. Relying on similarities between the practice of reduced listening and the utilization of low-level audio descriptors, we present the first version of a real-time setup in which these descriptors are applied to qualify percussive sounds. The paper describes the tools and strategies used for addressing different criteria: envelope followers with different window sizes and filtering; detection of transients and amplitude modulations; extraction and counting of spectral components; estimation of intrinsic dissonance and spectral distribution; among others. The extracted data is subjected to simple statistical analysis, producing scalar values associated with each segmented object. Finally, we present a variety of examples.

Since the advent of real-time computer music environments, composers have increasingly incorporated DSP analysis, synthesis, and processing algorithms in their creative practices. Those processes became part of interactive systems that use real-time computational tools in musical compositions that explore diverse techniques to generate, spatialize, and process instrumental/vocal sounds. Parallel to the development of these tools and the expansion of DSP methods, new techniques focused on sound/musical information extraction became part of the tools available for music composition. In this context, this article discusses the creative use of Machine Listening and Musical Information Retrieval techniques applied in the composition of live-electronics works. By pointing out some practical applications and creative approaches, we aim to circumscribe, in a general way, the strategies for employing Machine Listening and Music Information Retrieval techniques observed in a set of live-electronics pieces, categorizing four compositional approaches: namely, mapping, triggering, scoring, and procedural paradigms of application of machine listening techniques in the context of live-electronics music compositions.

No artigo, desenvolvemos algumas considerações sobre as relações entre processos criativos, práticas artísticas colaborativas, apropriação criativa de recursos tecnológicos (principalmente aqueles relacionados aos sistemas musicais interativos), e a necessidade de contextualizar, ao cenário educacional/cultural que vivemos, os processos artísticos e de ensino/aprendizagem relacionados com a composição musical e às novas tecnologias. Após uma consideração inicial a respeito desses tópicos, apresentamos a trajetória do grupo “imaginários sonoros”. Para ilustrar as práticas colaborativas do grupo e para responder a algumas questões do texto, apresentamos alguns trabalhos criativos de quatro alunos/artistas do grupo.

No ensaio, Kofi Agawu aborda a relação entre o tonalismo – entendido como “sistema hierarquicamente organizado de relações entre alturas” – e a música africana. A partir de diferentes exemplos e em diálogo com contribuições dos estudos decoloniais e da etnomusicologia, Agawu desenvolve uma interpretação crítica que busca compreender como aspectos da imaginação musical africana responderam à violência colonial imposta a partir de uma linguagem harmônica estrangeira. Após três momentos, em que busca respectivamente expor (1) aspectos do tonalismo na música africana da atualidade, (2) aspectos do pensamento tonal africano pré-colonial e (3) elaborações composicionais de criadores africanos, o autor conclui o texto tecendo considerações sobre o tonalismo como força colonizadora, defendendo uma revisão de prioridades no estudo das músicas do continente e enaltecendo os processos de resistência originários da África.